Mercury Rex

Ya se puede ver en la red el videoclip que hicimos para Mercury Rex del tema Instinto Animal.

Aquí en Youtube.

El Tiroteo

Aquí otro de los proyectos que hicimos con Solocomedia. Fue un esfuerzo colectivo que se hizo posible gracias a la ayuda de amigos como David Sancho, EFE-X, Carlos Pereira, Francho Aijón y David Villaraco. A la producción estuvo Marta Cabrera, Carlos Ruano y servidor a la cámara y luces, Sergio López-Eraña en el sonido directo (que no en la pospo y eso se nota). Por mi parte, lo realicé, pero no lo he montado. Tengo que decir que en el montaje falta un plano que rodé de Luis Fernández entre el botellazo de Maxi a Carlos y el tajo con el cuello de botella a Francho, así no había un salto de eje tan confuso y, precisamente, para eso estaba Luis apuntando con sus pistolas de uno a otro, para hacer de bisagra entre un plano y otro. Lástima que el montador no haya sabido verlo. De cualquier manera, aquí está lo que entonces llamábamos El Tiroteo.

Reel

Dejo disponible en la red la bobina actualizada (aunque falta alguna cosa que caerá en la próxima revisión). ¡Para uso y divulgación!

Ibrahim en Filmin

Las 5 muertes de Ibrahim por fin se puede ver en Filmin en este enlace.

Un corto que desde que salió a la palestra ha dado muchas alegrías y ha cosechado una veintena de premios. Si hubiera alguna que otra buena noticia haríamos este año su secuela: Las 6 reencarnaciones de Ibrahim Gonsález. ¡Esperemos que así sea!

Muy pronto

Un adelanto de otra las piezas, esta sí fue un rodaje algo más grande, para Solocomedia, AQUÍ. Me gustaría poder hacer embed y ponerlo aquí pero parece ser que no dejan los administradores de la página, en fin...

Delante de las cámaras Maxi Iglesias y Luis Fernández, frente a frente con nuestros amigos Carlos Pereira, Francho Aijón y David Villaraco. EFE-X a los FX, Sergio López-Eraña al sonido, Carlos Ruano y servidor con la luz y la cámara, Marta Cabrera a la producción y servidor a la realización. Esta pieza y la íntegra que vendrá no la monté y, por tanto, desconozco cómo habrá quedado. Hay que añadir que sin la ayuda de amigos como Asiria, Pau Costa y David Sancho, este sketch no hubiera sido posible.

La invención de Martin

Hace unos días que llevo queriendo escribir un post tras ver La invención de Hugo, la cual me ha sorprendido tanto que, instantes después de salir del cine, me llevó a afirmar en Twitter que era la mejor película de la historia del cine.

Al margen de que una afirmación semejante dará lugar a opiniones encontradas, tengo que decir que es una obra maestra sin más calificación ni medias tintas y que, como gran filme, se merece estar entre cualquier selección de grandes títulos de la historia del cine. Si la admiro tanto, no es únicamente por su empleo del 3D como lenguaje narrativo, sino que como película realmente se merece ese título. Ya querrían muchas películas tener una historia tan potente, tan bien contada y que te atrapa desde el primer segundo. Y si mantengo mi opinión no es solo por eso.

Lo que más me emocionó - y esto sí que no lo esperaba - fue el amor por el cine y por el oficio de hacer cine que inunda la película. De todos es sabida la cinefilia de Scorsese y su empeño en recuperar antiguas latas de celuloide de los pioneros cinematográficos, pero poco podía pensar yo que La invención de Hugo sería no solo una oda a los aventureros que hicieron posible que las imágenes - y la fantasía - se pudiera meter en una serie de fotogramas. Más que eso, es una auténtica declaración de amor por el sacrificado, duro, extenuante, prodigioso, maravilloso, tortuoso, fantástico, penoso, demoledor, increíble y único oficio de hacer cine.

Hay un momento de la película que visionan Viaje a la luna de Mèlies. Al terminar, este mismo personaje irrumpe en la habitación diciendo que "nunca podría olvidar el sonido de un proyector". Desde el momento en que en 3D vi el cohete aterrizando en el ojo de la luna no pude contener lo que llevaba reprimiendo desde hacía bastantes minutos y rompí a llorar. A llorar de alegría. Pues la propia inocencia de sus imágenes me llevaron unos 20 años atrás, cuando siendo un crío me di cuenta que lo que quería hacer en mi vida: cine.

Hay películas que te hacen amar el cine: la imagen sobre la pared de Cinema Paradiso o la visión tan positiva de la vida y el cine que tiene Ed Wood. Pero hasta ahora, no había visto una película que me recordara el amor por hacer cine. La invención de Hugo es FE en estado puro para cualquier cineasta. El amor inocente de Mèlies por el cine, es el mismo amor que todos sentíamos cuando soñábamos con hacer una película, un corto, un documental... lo que fuera y ni siquiera sabíamos cómo hacerlo. Si Mèlies nos enseñó algo es que no importaban tanto las reglas como la voluntad, el deseo y la fuerza de filmar algo... ¡y hacerlo! El cine no puede limitarse a reglas, tiene que ser fantasía, tiene que ser locura, tiene que ser aventura y, ante todo, tiene que ser valiente, tiene que arriesgarse.

Puede que La invención de Hugo sea la primera película de una nueva era. Como ya decía no hace mucho, Mèlies mismo pensaba que las películas deberían ser estereoscópicas en un futuro. Al igual que él los Lumière, e incluso Einsenstein también lo creían. Porque el cine no es algo que se invente en un determinado momento, no es sino la expresión más cercana a la realidad tal y como la vemos y, del mismo modo que ha ido evolucionando a una visión más próxima y realista, seguirá evolucionando hasta límites que no podemos concebir a día de hoy y en los que el 3D, no es más que un paso más, como lo fue el color o el blanco y la imagen en movimiento.

Una de las cosas que me encantó de la película fue cuando Mèlies dice que para hablar de historia del cine habría que remontarse a los pictogramas de las cavernas, algo que ya apuntaba yo precisamente en el post anterior con este tema. Pues desde entonces hasta donde la humanidad llegue, el cine y la manera en que contemos historias en imágenes seguirán acercándose más y más a la manera que tenemos de ver y comprender el mundo. Y esa es razón más que suficiente para ver y para seguir haciendo cine.

Gracias, Martin.

Nuevos DCPs

Hemos hecho dos nuevos DCPs para los cortometrajes El somriure Amagat de Ventura Durall y Ahora no puedo de Roser Aguilar.

Agradecemos a nuestros amigos de Marvin & Wayne la colaboración y nos alegramos de que distribuidoras y cortometrajistas se animan a pasar su corto a este formato, lo cual quiere decir que más festivales se suman a la digitalización y hacen posible mejores proyecciones, con un estándard de calidad profesional, lo cual es una alegría - en primer lugar - para los cineastas, pues una buena proyección es lo que merece el trabajo de todo el equipo que ha hecho un trabajo.

Si tienes un corto y quieres pasarlo a formato DCP, no dudes en ponerte en contacto con nosotros en 3masDentertainment@gmail.com

Chan chan

El último corto de Pilar Palomero es Chan chan y 3+D nos estamos ocupando de la fase final de su postproducción, así como del DCP para que pueda exhibirse en salas y festivales. Es una historia íntima y en blanco y negro protagonizada por Txema Blasco. Palomero recogió una buena cosecha de premios con su anterior corto, el excelente Niño Balcón y desde aquí le deseamos la misma suerte con su nueva producción.

El anterior DCP que hicimos para un corto fue para Rosa de Jesús Orellana, nominado a los Goya de este año. Esperemos que lo gane y siga en racha, ya que la FOX lo ha comprado recientemente para trasladarlo a formato largo.

Si tienes un corto y quieres que nos ocupemos de su postproducción o hagamos el DCP, no dudes en ponerte en contacto con nosotros en 3masDentertainment@gmail.com

El cine del futuro

Me sorprendió mucho ayer las dos secciones que la revista Caimán (antes Cahiers) le dedicó al cine digital y al 3D. En primer lugar, porque es una publicación que, hasta el momento, se había mostrado escéptica, cuando no detractora, del cine estereoscópico. Y en este nuevo número, no solo dice algunas de las verdades más grandes de esta nueva manera de hacer cine y que, a menudo, se olvidan tras los grandes hallazgos tecnológicos que lo han impulsado.

No creo que sea casualidad que algunas de las revistas más importantes del medio hayan hablado en sus números de febrero del 3D con una visión esperanzadora, no sólo como un hito tecnológico, sino como la frontera de un nuevo lenguaje audiovisual. Pienso que de Scorsese y Mélies tienen que ver mucho en ese cambio de opinión. Martin Scorsese ha desarrollado el lenguaje audiovisual de un modo propio que ha provocado que, por ejemplo, los 90 sea una constante revisitación de los logros que él ya apuntaba veinte años antes. Georges Mélies fue uno de los pioneros del cine, a menudo injustamente olvidado - como otros cineastas, algunos de los cuales nos tocan de cerca, como Segundo de Chomón - sentó las bases de lo que vendría a partir de entonces en el nuevo medio. Precisamente por ello, quizá se mencione en dicho reportaje que Lumiére siempre creyó que las imágenes en movimiento deberían estar disponibles estereoscópicamente y en color, y siguió trabajando en ello hasta los años 30, cuando finalmente creó una serie de piezas de demostración. La intención de los pioneros del cine siempre fue hacer la realidad más real que la propia, traspasar la cuarta pared. Que un tren viniera hacia cámara o Porter pusiera a un pistolero disparando al público no son una casualidad, sino un cálculo muy preciso de lo que esperaban de sus esfuerzos.

Del mismo modo, el artículo comienza con una cita muy reveladora de Eisenstein: ¿El futuro del cine será estereoscópico? ¿El mañana vendrá después del hoy? Esto lo dijo en 1948 uno de los padres del lenguaje cinematográfico que se ha desarrollado a lo largo del s. XX y que a día de hoy se sigue empleando. ¡En 1948! El cine no comenzó en 1895. Desde el inicio de la civilización el hombre ha tratado de contar historias en imágenes. Las pinturas rupestres pueden considerarse el primer intento; los retablos medievales son sin duda un storyboard, lo que unos siglos después se emplearía para contar con linternas mágicas y armatostes similares. Fue el mismo Mèlies, quien presidió el organismo internacional que decidió el uso de la película en 35 mm como estándar industrial y profesional. Ese fue un paso más en el lenguaje cinematográfico. A partir de la aparición del Súper 8 casero y, sobre todo, a raíz de la democratización del vídeo, el lenguaje cinematográfico se expandió una vez más, igual que los jóvenes franceses habían reivindicado antes el uso del 16 mm, denostado para la televisión hasta entonces, para rodar sus películas, que a día de hoy siguen vigentes.

Sin el vídeo, muchas generaciones de nuevos directores, no habrían tenido acceso a lo que querían contar. Del mismo modo, el 3D y el cine digital se está comenzando - lentamente - a asentar para permitir una mayor accesibilidad a nuevos creadores. No hay nada más bonito que una proyección de 35 mm (o mejor, de 70 mm), sin embargo que hoy las salas de digitalicen debe ser visto como una buena noticia y no como una mala. Es más barato rodar en 35 y una vez terminado el trabajo, se pase todo a digital, que tirar copias y copia en 35 mm. No soy de los que creen que el 35 debería desaparecer, del mismo modo que a día de hoy se siguen comprando y pinturas por su valor artístico. Rodar en 35 y a partir de ahí seguir el proceso en digital sería la mejor solución, a mi parecer para películas que pudieran permitirse el precio del celuloide. Pero están las otras películas, las que no pueden acceder a esos presupuestos. Es más barato y accesible rodar en digital y hacer copias digitales y estrenar, con un número mínimo de copias, en muchos cines. Solo hay que disponer del tiempo para mover esas copias entre las distintas salas. Tanto en 2D como en 3D. De ese modo logramos hacer Road to Wacken y que se estrenara - aunque fuese brevemente - en cines. De ningún modo, si no hubiera sido por el cine digital, habríamos podido acceder a una distribución similar. Del mismo modo, otras películas independientes se encuentran con esa ventaja y la saben aprovechar, otras todavía no han sabido ver la oportunidad, pero poco a poco lo harán.

Algunos pensarán que el cine digital solo sirve para películas caras, pero una copia en DCP es infinitamente más barata que una en 35 mm. De hecho, la normalización DCI y el uso de formatos DCP para las películas significa, como lo hizo la estandarización del 35 mm en su día, la democratización para todos aquellos cineastas que sepan y quieran aventurarse a abrir nuevos caminos, que son los que el cine lleva abriendo desde el principio. Me alegra mucho ver la opinión del presidente de los Cines Verdi, que dice que precisamente por la digitalización de sus salas, la oferta no va a menguar o volverse más mainstream, sino que dará acceso a contenidos en esas pantallas que de otra forma no llegarían.

El cine digital y la estereoscopía solo son un peldaño más en el lenguaje audiovisual que el hombre lleva desarrollando toda su existencia. Creer en el cine como algo estanco, como algo que empezó al final del s. XIX y que en el XX alcanzó su cenit, es de una estrechez de miras abismal. El 3D no es el último paso en el cine, es uno más. No podemos, a día de hoy, imaginar lo que será el cine dentro de 200 años. Podemos aventurarnos y es precisamente de la aventura, de donde salen los grandes pasos.

No en vano, el reportaje se cierra diciendo algo que creo firmemente: el cine será holográfico. A día de hoy, podemos ver hasta allí, hasta dentro de 100 años quizá, del mismo modo que Eisenstein y Lumière, en el s. XX veían que el cine sería estereoscópico y, 100 años después, lo es. El cine es algo que ha mutado y seguirá mutando inevitablemente. Abracemos el cambio y apoyémoslo, hagamos de él algo significativo y memorable y, sobre todo, abramos nuestra mente a él. Los pioneros del cine ya lo hicieron.

Huída a toca teja

Como estamos de revival, le toca el turno a un corto de hace ya unos años que tampoco tenía subido en la red: Huída a toca teja.

Hicimos esta pequeña locura en medio del desierto aragonés un calurosísimo verano de 2004, es decir, que el cortito tiene ya ¡8 años! Cómo pasa el tiempo...

Nacho Vigalondo protagonizó esta pequeña producción en la que se cantó Vampiresada de Johnathan Richman una y otra vez durante el rodaje. Cosechó algunos premios en su día y me llevó por una serie de festivales, el de Cannes entre ellos. La banda sonora funcionó a la perfección, obra de Project Implosion, bajo la batuta de Patxi Irache.

A día de hoy, se dejan ver sus múltiples fallos y, sobre todo, lo inocentes que éramos, pero como curiosidad ahí queda. Premio para el que me diga el porqué de la camiseta de "Lightfoot" de Vigalondo.